«В будущем осуществление чистого выражения формы в наглядной реальности нашей среды заменит искусство!» — смело заявлял состоявшийся художник Мондриан, обосновывая свою теорию живописи. А когда-то мальчик по имени Питер Корнелиус Мондриаан учился рисовать у своего дядюшки пейзажиста, и вовсе не был уверен, что свяжет с этим свою жизнь. Впрочем, поступление в 1892 году в амстердамскую Академию художеств, стало шагом осознанным — когда двадцатилетний Питер действительно почувствовал свое признание.
Вечерние пейзажи, которыми Мондриан особенно увлекался в послеуниверситетские годы, принесли ему некоторую известность как экспрессионисту. Это позволило в 1911 году принять участие в Международной выставке современных художников, где в числе прочих были представлены работы фовиста Андре Дерена и родоначальников кубизма Пабло Пикассо и Жоржа Брака. Впечатление, которое кубисты произвели на Мондриана, было огромным: он тут же принялся изучать кубизм как манеру исполнения рисунков, стараясь привнести в нее что-то свое. В итоге через увлечение аналитическим кубизмом Мондриан приходит к беспредметной живописи, вместе с которой на свет рождается новое течение в искусстве — неопластицизм.
«Остзейская мельница вечером» (1907–1908)
Мотив отношений вертикального и горизонтального (как мужского и женского) в художественном пространстве появился в живописи Мондриана уже в начале 1900-х годов. Поиск идеальной гармонии между этими двумя сущностями художник будет продолжать на протяжении всей своей жизни. Однако на начальном этапе он пытается решить эту задачу путем ввода в пейзажные мотивы архитектурных элементов.
«Набожность» (1908)
Ранние работы Мондриана продолжают традицию фигуративной живописи, но уже претерпевают некоторые изменения, в значительной степени связанные с мироощущением художника. До появления неопластицизма как направления еще 12 лет, и пока Мондриан находится в поиске себя. На этом этапе он всерьез увлечен эзотерическими теориями Рудольфа Штайнера и Елены Блаватской, что во многом определяет характер живописи, или цветописи, как называет он свои работы этих лет. «Набожность» — нежная девичья фигурка на голубом фоне — отражение богоискательства Мондриана.
«Мельница» (1911)
Продолжая работу над соотношением вертикального и горизонтального, Мондриан все больше углубляется в философские сферы. Здесь мельница уже занимает собой все пространство и, более того, сама картина из горизонтальной превращается в вертикальную. Так архитектурный мотив мельницы становится главной темой изображения, а мужское целиком подчиняет себе женское. Мондриан начинает уделять внимание цвету, отходя от пастельных и размытых тонов в сторону ярких и однозначных цветов и оттенков.
«Композиция из деревьев I» (1912)
Еще в 1911 году на выставке в Амстердаме Пит Мондриан знакомится с творчеством таких художников, как Жорж Брак, Поль Сезанн и Пабло Пикассо. Он специально едет в Париж, где он пробудет до 1914 года, чтобы начать опыты в кубизме. В это время он избавляется от «лишней» буквы в написании своего имени — урожденный Мондриаан становится Мондрианом.
Пит Мондриан: «Неопластицизм утверждает справедливость, потому что равенство пластических средств в композиции показывает, что каждый может быть равным среди равных... Не интересоваться формой и цветом… вот неопластицизм. Интересоваться исключительно отношениями, создавая их и отыскивая равновесие в искусстве и в жизни».
Его «высокий кубизм» (который также называют аналитическим) выражается в отсутствии цвета и массы: преимущественно черно-серая гамма и один только костяк, но не изображение предмета. Пример тому знаменитые штриховые полуабстрактные уже «Композиции», стремящиеся к предельному обобщению.
«Портрет дамы» (1912)
Эта картина, очевидно, создана под влиянием кубизма, и особенно Пабло Пикассо. Дама на портрете лишь угадывается, но все-таки, в отличие от набросков и штрихов в предыдущих картинах этого периода, здесь присутствует некая форма и наполненность. Полотно полностью покрыто краской, что говорит об определенном состоянии души Мондриана в этот момент. А тот факт, что в картине используются лишь мрачные тона, свидетельствует о том, что художник все еще находится во власти «высокого кубизма».
«Композиция с овальными и цветными плоскостями II» (1914)
Постепенно Мондриан отходит от кубизма и обращается к беспредметному искусству. На полотнах все чаще появляется овал, а на смену мрачным цветам приходит нежность и легкость. Кстати, присутствие овальных форм на картинах не случайно: теософия, которой по-прежнему увлекался художник, заимствовала форму яйца из индуизма, сделав его символом прошлых и грядущих перерождений. Таким образом, Мондриан вкладывал в «овальные» картины более глубокий смысл, чем это виделось его современникам.
«Автопортрет» (1918)
В 1914 году Пит Мондриан возвращается в Голландию к отцу, который находится при смерти. Тогда же его полотна находят живой интерес у архитектора, художника и скульптора Тео ван Дусбурга, стремившегося к синтезу живописи и архитектуры. Вскоре Мондриан и ван Дусбург основывают общество «Стиль» (De Stijl), итогом существования которого станет издание одноименного журнала. В первом же номере Мондриан, увлеченный теоретическими изысканиями, публикует свою статью «Неопластицизм в живописи». В это время он пишет и другие манифесты, обосновывающие необходимость строго геометрического порядка в искусстве. Тем удивительнее этот реалистичный автопортрет художника.
Неопластицизм: «чистая реальность»
Пит Мондриан впервые употребил термин в 1917 году в статье «Неопастицизм в живописи» (первый номер журнала «Стиль») для обозначения нового направления абстрактного искусства. Мондриан считал, что кубизм не сделал логических выводов из своих открытий, не доведя абстракцию до предела. По его мнению, выражением «чистой реальности» могла стать только «чистая пластика».
Наиболее полно основные положения неопластицизма были сформулированы Мондрианом в его наставлениях художникам 1926 года:
1. Средством пластического выражения должна быть плоскость или прямоугольная призма основных цветов (красного, синего и желтого) и не-цветов (белого, черного и серого). В архитектуре пустое пространство должно быть принято за не-цвет, а строительный материал должен быть принят за цвет.
2. Необходима эквивалентность пластических средств. Различные по размерам и цвету, они, тем не менее, имеют ту же ценность. Вообще говоря, равновесие предполагает большую поверхность не-цвета и меньшую поверхность цвета или материи.
3. Дуализм противоположности пластических средств требуется уже в самой композиции.
4. Постоянное равновесие достигается отношением положения и выражается прямой линией (границей пластического средства) в ее принципиальном противопоставлении.
5. Равновесие, которое нейтрализует и устраняет пластические средства, создается отношением пропорций, в которых они взяты и которые являются источником живого ритма.
«Композиция с большой красной плоскостью, желтым, черным, серым и синим» (1921)
В 1919 году Мондриан возвращается в Париж — и здесь к нему приходит настоящая известность. Можно сказать, что стиль художника уже полностью сформирован, он продолжает свои неопластические эксперименты и выводит «закон прямого угла», допускающий построение формы лишь с помощью вертикальных и горизонтальных линий. Также Мондриан определяется с принципом классификации цветов: по его мнению, красный, желтый и синий — это цвета, а вот белый, черный и серый он называет не-цвета. Последние, впрочем, вполне могут быть использованы для разделения цветов в абстрактной живописи.
«Композиция с красным, синим, черным, желтым и серым» (1921)
Неопластицизм Мондриана ставил своей целью универсализм и в какой-то степени создание новой картины мира. Индивидуализм за четкими и стройными геометрическими линиями был потерян, но именно в этом Питу Мондриану виделось передовое искусство. Заметно, что прямые линии на полотне и их взаимное расположение имеют для художника гораздо большее значение, чем цвет. Действительно, в Париже Мондриан стремился создать картину в высшей степени гармоничную, и все опыты данного периода подтверждают это.
«Ромбическая композиция с желтыми линиями» (1933)
Теперь, когда Пит Мондриан окончательно утвердился в определении абстрактного искусства и в своей собственной, отличной ото всех манере рисунка, он обратился к формату картин. «Композиция с желтыми линиями», например, содержит на обороте подробные указания по размещению ее в виде ромба. Это было важно для соблюдения полной гармонии, которую Мондриан неизменно вкладывал в свои работы. Впрочем, достичь гармонии в собственной жизни художнику оказалось непросто: в 1940 году с началом Второй мировой войны Мондриан вынужден эмигрировать в Нью-Йорк, где его назовут «одним из величайших беженцев из Европы».