Франция — страна, в которой состоялся первый в истории кинопоказ и в которой проходит главный кинофестиваль мира — Каннский. В кинематографе Франции в отличие от многих других стран спада не бывает никогда. Открытия режиссеров французской «новой волны», которую создали критики главного французского киножурнала «Кайе дю синема», изменили язык фильмов во всем мире. Некоторые представители «новой волны» или близкие ей режиссеры живут и творят до сих пор — например, Жан-Люк Годар, Жак Риветт, Аньес Варда, Ален Рене. Другие — Клод Шаброль, Эрик Ромер — умерли совсем недавно. Но на смену им пришли новые таланты: Франсуа Озон, Леос Каракс, Жан-Пьер Жене и многие другие режиссеры, позволяющие Франции оставаться одной из ведущих киностран. Подтверждением тому и только что выигравшая «Золотую пальмовую ветвь» в Канне французская картина Абделатифа Кешиша «Жизнь Адели». Недавно сенсацию произвел еще один участник каннского конкурса — черно-белый немой «Артист» Мишеля Хазанавичуса, который завоевал все основные «Оскары», и это было одно из немногих справедливых оскаровских решений за последние годы. В список «Артист» не включен потому, что о нем и без того все слышали, как, вероятно, и о лидере французского проката 2011 года — «1 + 1». Во Франции вообще традиционно качественны массовые ленты. Продюсером очень многих из них является Люк Бессон, который в 2000-е был менее успешен как режиссер, чем в 80-90-е, когда он снял «Подземку», «Голубую бездну», «Никиту», «Леона» и «Пятый элемент». Франция — это еще и потрясающие актеры, без которых французское кино не обладало бы такой степенью достоверности. Французское кино — это и романтика, подобную которой не умеют снимать больше нигде, и жесткий натурализм, и комедии, боевики и триллеры высокого уровня, популярные во всем мире, и авторское кино, которое ценит узкий круг синефилов.
«Амели», Жан-Пьер Жене, 2001 год
«Амели», вероятно, видели почти все, кто хоть сколько-нибудь интересуется кино. Каким же образом авторский французский фильм о странной девушке может сравниться по популярности с каким-нибудь условным «Титаником»? Да просто «Амели» — действительно прекрасный и ни на что не похожий фильм с ни на кого не похожей Одри Тоту в главной роли (к слову, ведущей церемонии открытия и закрытия последнего Каннского фестиваля, и, если б не «Амели», Тоту могла звездой такого уровня и не стать). «Амели» — сказка, лирическая, забавная, изобретательная, разветвленная и происходящая в самом романтическом городе на земле Париже, да еще и преображенном сознанием главной героини.
Что еще нужно для счастья? Разве что такая девушка, как Амели, которая исполняет чужие желания и воплощает в жизнь мечты, да музыка Яна Тирсена. Не обошлось, правда, и без иронии и черноватого юмора: Жан-Пьер Жене, один из лучших выдумщиков в мире кино, известен своими работами, наполненными черным юмором («Деликатесы», «Город потерянных детей», а также жуткий «Чужой-4: Воскрешение»). Забавно, что Одри Тоту сыграла и в фильме-паре к «Амели» «Любит — не любит» Летиции Коломбани, где героиня также хотела устроить счастье собственными руками, но была не ангелом, а скорее демоном.
«Читай по губам», режиссер Жак Одияр, 2001 год
Секретарша, которую играет Эммануэль Дево, одинока и несчастна. Она плохо слышит и умеет читать по губам. Но вдруг в ее жизни появляется новоиспеченный помощник по офису, простой парень, только что вышедший из тюрьмы (его изображает Венсан Кассель). Девушка решает, что пора устраивать свою личную жизнь. Парень этот придумывает, как можно использовать способности секретарши. После череды взаимных криминальных услуг и кровавой бани герои понимают, что между ними — настоящая любовь. Автор фильма Жак Одияр придумал этот необычный, закрученный сюжет вместе с писателем Тонино Бенаквиста. Одияр умеет делать драматические криминальные фильмы с изюминкой. Это признали и на Каннском фестивале, где его «Пророк» получил Гран-при, а фильм «Никому не известный герой» — приз за лучший сценарий. Одияр — многократный триумфатор главной французской премии «Сезар»: в частности, его «Мое сердце биться перестало» и «Пророк» были признаны лучшими картинами года.
«Утро понедельника», режиссер Отар Иоселиани, 2002 год
Отар Иоселиани уже очень давно живет и работает во Франции. Режиссер всегда верен себе, будь то его советские ленты «Жил певчий дрозд», «Листопад», «Пастораль» или французская трилогия «Истина в вине» – «Утро понедельника» – «Сады осенью».
Герой «Утра понедельника» осознает, что ему не хочется идти на надоевшую работу и возвращаться потом домой к семье. Он бежит в Венецию, которая кажется ему землей обетованной. Он пьет вино (в фильмах Иоселиани без вина — никуда) по дороге, а в Венеции находит близких ему, свободных людей, которые тоже всегда слегка пьяны. Но, как ни печально, везде в мире все одинаково, и свобода невозможна. Картины Иоселиани всегда полны юмора, но «Утро понедельника» получилось серьезным и грустным (но одновременно и фирменно смешным). Сам Иоселиани играет, как и в искрометной «Истине в вине», аристократа, венецианского дожа.
«Пианист», режиссер Роман Поланский, 2002 год
Роман Поланский — еврей с польско-русской фамилией, родившийся во Франции и живущий там сейчас. «Пианист» — самый титулованный фильм Поланского: он завоевал «Золотую пальмовую ветвь» Каннского фестиваля, «Сезар», несколько «Оскаров», премию Британской академии кино и телевидения. Тем не менее эта, самая личная для автора «Отвращения», «Ребенка Розмари», «Жильца», «Горькой луны» и других мрачных, но почти всегда ироничных и неизменно блестящих фильмов картина, вызвала неоднозначную реакцию критики. Многие посчитали, что, несмотря на то что тема выживания в гетто («Пианист» основан на мемуарах польского музыканта Владислава Шпильмана о спасении из варшавского гетто) и близка Поланскому как никакая другая (он сам спасся из краковского гетто перед его погромом), фильм не является вершиной его творчества. Другие придерживаются противоположного мнения и полагают, что в ленте очень объективно и достоверно показана жизнь в гетто.
«Вечное сияние чистого разума», режиссер Мишель Гондри, 2004 год
Мишель Гондри много снимает в Голливуде: ему даже доверили режиссировать комикс «Зеленый шершень». Лучший его фильм «Вечное сияние чистого разума» — тоже американский. Сценарий написан знаменитым выдумщиком Чарли Кауфманом, который сочинил «Звериную натуру» Гондри, «Быть Джоном Малковичем», «Адаптацию», «Признания опасного человека». Но сюжет вместе с Кауфманом придумали сам Гондри и Пьер Бисмут — в итоге все трое удостоились «Оскара» за лучший оригинальный сценарий.
Джоэль и Клементина, которых играют неожиданно серьезный и печальный Джим Кэрри и, наоборот, непривычно легкомысленная Кейт Уинслет, решают стереть друг друга из памяти (в буквальном смысле — с помощью новых технологий: есть фирма, предлагающая подобную услугу): считают, что их отношения исчерпали себя. Но когда Джоэль понимает, что вот-вот у него не останется ни одного воспоминания о Клементине, он пытается остановить процесс.
Сделать это непросто: ведь герой спит, и каждое счастливое воспоминание насильно вырывают у него из головы, как он ни старается его сохранить. Картина сочетает в себе два качества, которые редко сочетаются: она пронзительна и поэтична и очень изобретательна (причем неповторим не только сюжет, но и визуальные решения: Кейт Уинслет, у которой то голубые, то розовые, то зеленые волосы, кровать с героями зимой на берегу океана и многое другое). Очень точно передано состояние человека, который находится в полусне: герой иногда слышит слова людей, которые находятся в его реальной комнате, и слова, которые произносятся в его сне, в его сознании; иногда он одновременно и понимает, и не понимает, что с ним происходит. Воспоминания из его памяти стираются от самых последних к самым первым — то есть последовательность развития отношений персонажей такая же, как и в фильме Озона «5x2», снятом в том же 2004 году. Как и у Озона, здесь нет голливудской безоблачности: мы видим, что жизнь героев перед расставанием была далеко не идеальной, и да, может быть, у них ничего снова не получится. Но, несмотря ни на что, самое страшное, как в рассказе Маркеса «Глаза голубой собаки» (привет Клементине с ее голубыми волосами) — проснуться и не вспомнить друг друга, не найти. Но они нашли.
Где смотреть французское кино в Москве
С 29 мая по 9 июня в кинотеатре «Пионер» будет проходить фестиваль «Неделя французского кино»
Большую коллекцию французских фильмов можно найти в медиатеке Французского культурного центра в Москве
Медиатека Французского культурного центра в Москве (находится в здании Библиотеки иностранной литературы по адресу: ул. Николоямская, д. 1); тел. + 7 (495) 915-70-33
Также следите за афишей:
к/т «Мир искусства» (ул. Долгоруковская, д. 33, стр. 3); тел.+7 (499) 978-66-19
к/т «Иллюзион» (Котельническая наб., д. 1/15; тел. + 7 (495) 915-43-39 (автоответчик), (495) 915-43-53
Музей кино (показы проходят на разных площадках)
«5x2» , режиссер Франсуа Озон, 2004 год
Франсуа Озон — имя, которое приходит в голову одним из первых при словах «современное французское кино». Озон — знаток женской натуры, у которого обожают сниматься ведущие актрисы Франции. В «8 женщинах», например, можно увидеть всю элиту французского кино — от Людивин Санье до Даниэль Дарье. Кому бы еще могли разрешить запечатлеть на экране свой поцелуй любимые женщины Франсуа Трюффо Катрин Денев и Фанни Ардан? Режиссер почти всегда ироничен, но одновременно может быть весьма серьезен и даже мрачен. Озон всегда меняет темы и жанры своих картин. Его сюжеты очень изобретательны: чего стоит, например, фильм «Рики», где у младенца из обычной семьи прорезаются настоящие крылья.
«5x2» — самая безысходная картина Озона. В ней в обратном порядке показаны пять эпизодов из жизни семейной пары: развод, обед с друзьями, рождение их ребенка, свадьба и знакомство. Семейным отношениям и институту брака Озон выносит приговор. Всякая пара, вступающая в брак, развалится, считает он, и ему почему-то веришь, несмотря на то, что режиссер, не скрывающий свою гомосексуальность, в браке не был. Не просто всякий брак распадется, но и всякая любовь закончится, и так будет всегда — из ленты можно сделать и такой вывод. Все это невеселое зрелище сопровождают упоительные итальянские ретромелодии. Особенно прекрасна сцена танца главной героини в исполнении Валерии Бруни-Тедески (сестры Карлы Бруни) и двух геев под песню Паоло Конте.
«Фландрия», режиссер Брюно Дюмон, 2006 год
Автор в высшей степени реалистических картин Брюно Дюмон становится признанным классиком современного кинематографа. За фильмы «Человечность» и «Фландрия» он получил Гран-при жюри в Канне, дебютная «Жизнь Иисуса» удостоилась там же специального упоминания жюри дебютов «Золотая камера». «29 пальм» и выходящая у нас вскоре «Камилла Клодель, 1915» боролись за призы соответственно Венецианского и Берлинского фестивалей. «Фландрия» продолжает развивать главные темы Дюмона — жестокость и бесчеловечность в современном мире, секс, природа.
Где-то во Фландрии живет фермер Андре Деместер. Иногда он спит где-то в кустах со своей подругой детства Барб, у которой тоже есть ферма. Зритель может во всех деталях разглядеть скромные сельские французские пейзажи, которые напоминают среднерусские. Герои мало разговаривают. Самый частый план — статичный пейзаж и удаляющиеся молча герои. Андре должен уйти на войну куда-то в арабскую страну — куда, мы так и не понимаем. Вместе с ним уходит еще один сельский житель, от которого Барб успевает забеременеть перед уходом. На войне герои творят страшную, немотивированную жестокость. Настолько страшную, что, когда кого-то из них грозятся убить или убивают, испытываешь, о ужас, облегчение. Барб в это время продолжает спать с кем попало, но страдает без тех, кто ушел, и даже попадает в психиатрическую лечебницу. В начале картины кажется, что смотришь фильм о беспросветности жизни провинциалов. Потом вообще не анализируешь — так ужасно происходящее на экране. Но последние кадры придают всему смысл: «Фландрия» — фильм о пробуждении человечности в современных людях. Современные варвары могут начать что-то чувствовать — в том числе угрызения совести и любовь — только пройдя через грех. Неслучайно другая важная картина Дюмона называется «Человечность». Та, правда, рассказывает ни много ни мало о появлении в современном мире Иисуса, который берет на себя грехи людей.
«Все песни только о любви», режиссер Кристоф Оноре, 2007 год
Французское кино ассоциируется у большинства людей с романтическими и одновременно драматическими историями, происходящими в парижских декорациях, причем считается, что французы относятся к любви свободно и незакомплексованно, поэтому в их фильмах много однополых пар, любви втроем и так далее. Кристоф Оноре снимает именно такие — очень французские — фильмы. «Все песни только о любви» участвовали в основном конкурсе Каннского фестиваля — пока что это самая большая фестивальная заслуга Оноре.
При том, что действие фильма разворачивается преимущественно в квартирах, и туристическими видами режиссер не злоупотребляет, атмосфера здесь очень парижская. Персонажи Луи Гарреля и Людивин Санье Исмаэль и Жюли влюблены друг в друга, но потом оказывается, что в их паре есть еще и третья участница. Затем случается нечто, о чем не будем говорить, чтобы избежать спойлеров. В третьей части фильма в Исмаэля влюбляется юноша в исполнении молодого актера Грегуара Лепренса-Ренге.
«Все песни только о любви» — это мюзикл, где герои, как и положено, выражают свои чувства по большей части в пении. Музыка Алекса Бопана, получившего за нее «Сезар, незатейлива, но очень хороша. Актеры поют сами — тихо, без крика, как это принято во французской музыке, в которой зачастую полушепчут. Особенно замечательны сольные номера обладателя демонической внешности Луи Гарреля, у которого толпы поклонниц по всему миру — ему повезло и с мелодиями, и с тембром голоса. Гаррель — вообще излюбленный актер Оноре: он снимал его в своих фильмах «Возлюбленные», «Моя девочка не хочет», «Прекрасная смоковница», «Парижская история», «Моя мать». Гаррель — продолжатель киноклана: его отец — ценимый синефилами режиссер Филипп Гаррель, который и сына снимал в своих фильмах («Граница рассвета», «Постоянные любовники»). Оноре вообще любит работать с одними и теми же актерами: например, дочь Марчелло Мастроянни и Катрин Денев Кьяра Мастроянни, которая играет во «Всех песнях…», и Грегуар Лепренс-Ренге засветились и в других лентах режиссера.
«Кус-кус и барабулька», режиссер Абделатиф Кешиш, 2007 год
Араб из Туниса Абделатиф Кешиш, с детства живущий во Франции, только что получил «Золотую пальмовую ветвь» на Каннском кинофестивале за фильм о любви двух девушек «Жизнь Адели». Картина еще до вручения была необычайно высоко оценена международной прессой и получила приз ФИПРЕССИ. Критики журнала Le film français присудили этой ленте 12 «пальм»: такое случилось впервые за всю историю фестиваля. Теперь Кешиш станет признанным мэтром мировой режиссуры. Но заметили его раньше. Его фильмы «Увертка» и «Кус-кус и барабулька» получали награды «Сезар» в номинациях «Лучший фильм», «Лучший режиссер» и «Лучший сценарий». У него есть и несколько призов Венецианского фестиваля (в частности, приз ФИПРЕССИ и Специальный приз жюри за «Кус-кус и барабульку»).
«Кус-кус и барабулька» — почти трехчасовое неторопливое повествование о жизни арабской семьи на юге Франции. Пожилой глава семьи уволен с работы на верфи и решает открыть ресторан на корабле, где будут подавать как основное блюдо кус-кус, который блестяще готовит его бывшая жена. Собственно, большая семья, о которой речь, — это семья, из которой он ушел. Но этот факт не мешает всем общаться, собираться за большим столом, обсуждать что-то необязательное и есть кус-кус и барабульку. Дочь новой женщины героя, Рим, одна из главных героинь фильма в исполнении Хафсии Херци (которую Кешиш открыл для кино и которая получила в Венеции за эту роль приз Марчелло Мастроянни) очень трогательно относится к своему отчиму, помогает ему преодолевать все бюрократические проблемы с открытием ресторана. По стилю фильм напоминает «Догму», актеры не играют, а словно живут в кадре. Главный конфликт возникает, когда во время торжественного открытия ресторана куда-то пропадает уже приготовленный кус-кус. Тогда Рим, чтобы спасти положение, исполняет страстный танец живота. Эта сцена — одна из лучших в фильме. Танец подобен таинству, к которому мы можем прикоснуться и узнать что-то доселе неведомое о глубинах и противоречивости восточной души. «Кус-кус и барабулька» — кино, которое рассказывает о сохранении родной культуры людьми, которые уже ассимилировались в чужой стране.
«Класс», режиссер Лоран Канте, 2008 год
«Класс» — еще один недавний французский лауреат Канн, обладатель «Золотой пальмовой ветви». Лоран Канте экранизировал полуавтобиографический роман Франсуа Бегодо о том, как тот был учителем французского языка и литературы в школе 20-го округа Парижа. Бегодо был также одним из авторов сценария и исполнил главную роль. В ролях учеников — непрофессиональные актеры. «Картина рассказывает об одном годе из жизни одного класса, где учатся дети 13-14 лет. В основном это иммигранты. Понятно, что это фильм о том, на что напоролась Франция, впустив к себе такое количество эмигрантов и предоставив им все привилегии. Дети ведут себя с интеллигентным учителем по-хамски, совершенно не интересуются учебой, не знают действительно элементарных вещей. Они позволяют себе задавать учителю на уроке вопросы вроде «А это правда, что вы любите мужчин?» и при этом устраивают скандал, когда слышат что-то нелицеприятное, но заслуженное и вполне невинное в свой адрес от учителя. Но «Класс» этим детям и сочувствует, а герой Бегодо, несмотря ни на что, искренне желает им добра. Смысл фильма: раз уже в стране возникла подобная социальная ситуация, то надо научиться в ней жить. Надо терпеливо воспитывать тех новых детей, которых Франция получила. Но, безусловно, это еще и картина о самоотверженности труда учителя, который кладет всю жизнь на тех, кто порой этого не заслуживает.
«Корпорация «Святые моторы»», режиссер Леос Каракс, 2012 год
Герой фильма месье Оскар в исполнении альтер эго Каракса Дени Лавана едет в лимузине. Там же он накладывает грим и проживает за день с десяток разных жизней. Умирающий старик, отец дочери-подростка, актер в павильоне с зеленым экраном (хромакеем), старуха-нищенка — вот только несколько его образов. Но он не играет, он в буквальном смысле становится этими людьми, ведь это не съемки, камер здесь нет. Два раза он убивает людей с такой же, как у него, внешностью. Кто он такой и существует ли вообще — вот в чем вопрос.
Этот фильм — фантасмагория, калейдоскоп фильмов и жанров, но общее настроение этого фильма-карнавала — трагическое. Это не только оммаж лицедейству, но и горький фильм об одиночестве (в том числе актерском) и утрате: ведь он посвящен погибшей несколько лет назад жене режиссера, актрисе Екатерине Голубевой. Ее Каракс снимал в своем предыдущем фильме «Пола X» 13 лет назад. После «Полы X» Каракс сделал одну из частей альманаха «Токио!», герой которого — страшное существо Месье Дерьмо — появляется и в «Святых моторах».
Возможно множество трактовок ленты, которая, ко всему прочему, еще и наполнена культурными отсылками и цитатами. Фильм вызвал восторг у критиков, когда был показан в основном конкурсе Каннского фестиваля. И хотя основные призы фестиваля и премии «Сезар» обошли фильм, Каракс, несомненно, является одним из лучших и истинно культовых режиссеров современности. Помимо уже названных картин, с середины 80-х он снял всего три полнометражных фильма: «Парень встречает девушку», «Дурная кровь», «Любовники с Нового моста».
«Что-то в воздухе», режиссер Оливье Ассаяс, 2012 год
Оливье Ассаяс — режиссер французского независимого кино, многократный участник Каннского и других кинофестивалей. В своих работах почти всегда очень серьезен, поэтому многих удивило, когда он сделал крайне ироничный и смешной фильм о мире европейского кино «Ирма Веп», где главную роль исполнила гонконгская звезда Мегги Чеюн, ставшая впоследствии женой Ассаяса. Как и режиссеры французской «новой волны», Ассаяс писал в свое время для главного киножурнала страны — «Кайе дю синема». В 2010 году он создал мини-сериал «Карлос» о международном террористе 1970-80-х годов, за который получил «Золотой глобус».
«Что-то в воздухе» завоевал две награды на Венецианском кинофестивале (в том числе за лучший сценарий). В оригинале фильм называется «После мая», и речь, конечно, о мае 1968 года, излюбленном авторами, очень кинематографическом времени студенческой революции. Действие фильма происходит уже в начале 70-х годов, но студенты все еще продолжают отстаивать свои идеи, например, незаконно расклеивают листовки. В фильме Ассаяса есть все, чего мы ждем от фильмов о тех годах: молодые красивые свободные люди, любовь, богема, наркотики, рок-н-ролл, кино, стильная одежда, разговоры о революции (над которыми режиссер, кажется, чуть-чуть посмеивается из-за их излишнего пафоса) — все то, ради чего хочется попасть в то время. Но фильм вовсе не о революции, от которой герои потихоньку отходят, а о взрослении. О крахе надежд и о сбывшихся надеждах, что порой одно и то же. О конце юности как о конце революции. В российский прокат фильм выйдет в начале лета.